инфохаб «Selection»      

Сосредоточьтесь на главном  

Направления живописи

Основные художественные стили и направления в искусстве

Самые известные направления мировой живописи и художники их представляющие

 

Историки искусства применяют разнообразные системы классификации мирового искусства. Западное искусство чаще всего структурируют в виде художественных направлений, используя преимущественно культурно-эстетические критерии, в то время как Восточное искусство разделяют на периоды в соответствии с политико-династическими маркерами.

 

Главные художественные направления мирового искусства


Самые известные, самые обсуждаемые, самые большие по количеству известных художников направления живописи

 

Возрождение

Возрождение, или Ренессанс (фр. Renaissance, итал. Rinascimento; — «снова» или «заново роджённый») — эпоха в истории культуры Европы, пришедшая на смену культуре Средних веков и предшествующая культуре нового времени. Примерные хронологические рамки эпохи— начало 14 — последняя четверть 16 веков и в некоторых случаях — первые десятилетия 17 века (например, в Англии и, особенно, в Испании).
Отличительная черта эпохи возрождения — светский характер культуры и её антропоцентризм (то есть интерес, в первую очередь, к человеку и его деятельности). Появляется интерес к античной культуре, происходит как бы её «возрождение».
Первые предвестники искусства Возрождения появились в Италии в 14 веке.

Рисуя картины традиционной религиозной тематики, художники Проторенессанса (Пьетро Каваллини (1259—1344), Симоне Мартини (1284—1344) и (в первую очередь) Джотто (1267—1337)) начали использовать новые художественные приёмы: построение объемной композиции, использование пейзажа на заднем плане, что позволило им сделать изображения более реалистичными, оживленными. Это резко отличало их творчество от предыдущей иконографической традиции, изобилующей условностями в изображении.

Различные века в истории итальянского искусства имеют названия, образованные от соответствующих числительных:
◾дученто — 1200-е. От итал. ducento (двести). Интернациональная готика.
◾треченто — 1300-е. От итал. trecento (триста). Проторенессанс.
◾кватроченто— 1400-е. От итал. quattrocento (четыреста). Раннее Возрождение, Высокое Возрождение.
◾чинквеченто — 1500-е. От итал. cinquecento (пятьсот). Конец Высокого Возрождения, Позднее Возрождение.

Наивысший расцвет искусства Возрождения пришёлся на первую четверть 16 века, которая получила название «Высокое возрождение». Работы Леонардо да Винчи (1452—1519), Рафаэля Санти (1483—1520), Микеланджело Буонаротти (1475—1564), Джорджоне (1476—1510), Тициана (1477—1576), Антонио Корреджо (1489—1534) составляют золотой фонд европейского искусства.

Наиболее известные художники Возрождения: Сандро Боттичелли (1447-1515),Леонардо да Винчи (1452-1519), Рафаэль Санти (1483-1520),Микеланджело Буонарроти (1475-1564), Тициан (1477-1576),Антонио Корреджо (1489-1534), Иероним Босх (1450-1516),Альбрехт Дюрер (1471-1528).

Раннее Возрождение
В начале 15 века Филиппо Брунеллески (1377—1446), флорентийский ученый и архитектор, открыл и описал законы линейной перспективы в живописи. Это позволило художникам получать совершенные изображения трёхмерного пространства на плоском полотне картины. Другим важным шагом стало появление нерелигиозного, секулярного искусства. Портрет и пейзаж утвердились как самостоятельные жанры. Даже религиозные сюжеты приобретали иную трактовку — художники Возрождения стали рассматривать их персонажей как героев с ярко выраженными индивидуальными чертами и человеческой мотивацией поступков.
Наиболее известные художники этого периода — Мазаччо (1401—1428), Мазолино (1383—1440), Беноццо Гоццоли (1420—1497), Пьеро Делла Франческо (1420—1492), Андреа Мантенья (1431—1506), Джованни Беллини (1430—1516), Антонелло да Мессина (1430—1479), Доменико Гирландайо (1449—1494), Сандро Боттичелли (1447—1515). 

Художники и произведения www.wikiart.org/ru

Высокое Возрождение
Наивысший расцвет искусства Возрождения пришёлся на первую четверть 16 века, которая получила название «Высокое возрождение».
Работы Леонардо да Винчи (1452—1519), Рафаэля Санти (1483—1520), Микеланджело Буонаротти (1475—1564), Джорджоне (1476—1510), Тициана (1477—1576), Антонио Корреджо (1489—1534) составляют золотой фонд европейского искусства.
Подходя к живописи с точки зрения естествоиспытателя, Леонардо да Винчи добился высокого мастерства в передаче мимики лица и тела человека, способах передачи пространства, построения композиции. Вместе с тем его работы создают гармоничный образ человека, отвечающий гуманистическим идеалам. В дальнейшем эти новации были развиты Рафаэлем Санти.
Картины и скульптуры Микеланджело Буонаротти полны героического пафоса и, одновременно трагического ощущения кризиса гуманизма. Его картины прославляют силу и мощь человека, красоту его тела, одновременно подчёркивая его одиночество в мире. Творчество Джорджоне и Тициана отличает интерес к пейзажу, поэтизации сюжета. Оба художника достигли большого мастерства в искусстве портрета, с помощью которого передавали характер и богатый внутренний мир своих персонажей.

Художники и произведения www.wikiart.org/ru

Позднее Возрождение
После разграбления Рима имперскими войсками в 1527 году итальянское Возрождение вступает в период кризиса.
Уже в творчестве позднего Рафаэля намечается новая художественная линия, получившая название маньеризма. Для этой эпохи свойственны взвинченность и изломанность линий, удлинённость или даже деформированность фигур, зачастую обнажённых, напряжённость и неестественность поз, необычные или причудливые эффекты, связанные с размерами, освещением или перспективой, использование едкой хроматической гаммы, перегруженность композиции ит. д.
Первые мастера маньеризма — Пармиджанино, Понтормо, Бронзино — жили и работали при дворе герцогов дома Медичи во Флоренции. Позднее маньеристская мода распространилась по всей Италии и за её пределами. В 1590-е годы на смену маньеризму приходит искусство барокко (переходные фигуры — Тинторетто и Эль Греко).

 

 
 

 

Маньеризм (Позднее Возрождение)

Маньеризм (от итальянского maniera, манера) — термин, применяемый к изобразительному искусству, a также к литературе и музыке, сочетающий в себе множество исторических и критических параметров, западноевропейский литературно-художественный стиль XVI — первой трети XVII века. Характеризуется утратой ренессансной гармонии между телесным и духовным, природой и человеком.

Маньеризм появился в Италии, где важнейшими очагами развития стиля стали Флоренция, Мантуя и Рим, а затем получил распространение во Франции и других европейских странах.
У искусствоведов нет единодушия и в определении границ термина. Некоторые исследователи усматривают в нём раннюю фазу барокко.
Сначала маньеризм определял только стиль, но позже расширил свое значение и стал обозначать период в развитии итальянского искусства от Высокого Возрождения до барокко (1500-1600). Термин применялся главным образом по отношению к итальянскому искусству и архитектуре, реже к истории искусства других стран.

Маньеризм характеризуется напряжением, эмоциональностью, удлиненными человеческими фигурами, неестественными позами, причудливыми эффектами пропорций, освещения, необычной перспективой, иногда яркими, даже огненными, цветами.
Часто работы в этом стиле отличаются нетрадиционным решением, художник специально концентрирует внимание зрителя на своей технике.
Маньеризм общепринято означает элегантный, утонченный, немного искусственный стиль, однако в каждом конкретном случае добавляются определенные нюансы в зависимости от личности исследователя.
Характерными особенностями художественного решения работ, относящихся к стилю маньеризма, можно считать повышенный спиритуализм (нередко сочетающийся с не менее сублимированным эротизмом или, напротив, подчёркнуто противопоставленный ему), взвинченность и изломанность линий (в частности, использование так называемой «змеевидной» линии), удлинённость или даже деформированность фигур, напряжённость поз (контрапост), необычные или причудливые эффекты, связанные с размерами, освещением или перспективой, использование едкой цветовой палитры, перегруженность композиции и т. д.

К живописцам маньеризма относят Франческо Пармиджанино, Якопо Понтормо, Джованни Баттиста Нальдини, Джорджо Вазари, Джулио Романо, Джузеппе Арчимбольдо, Бронзино, Россо Фьорентино, Франческо Сальвиати, Доменико Беккафуми, Алессандро Аллори, Артемизию, Жана Дюве, Орацио Джентилески и т. д. Отчасти этот стиль прослеживается также у Рафаэля и Микеланджело, у художников венецианской школы — Тинторетто и Тициана.
За пределами Италии маньеризм представлен школой Фонтенбло во Франции, рядом нидерландских художников XVI века (многие из них восприняли идеи маньеризма, побывав в Италии) и Эль Греко в Испании).
Маньеризм интенсивно развивался в Праге, при дворе императора Рудольфа II (Б. Шпрангер, Ханс фон Аахен и др.).

 

Северное Возрождение

Северное Возрождение — термин, использующийся для описания эпохи Возрождения в германоязычных странах, или более обобщающе — во всей Европе за пределами Италии, к северу от Альп.
Северное Возрождение тесно связано с итальянским Возрождением, но имеется ряд характерных отличий: большее влияние готического искусства, меньшее внимание к изучению анатомии и античного наследия, тщательная и детализированная техника письма. Кроме того, важной идеологической составляющей явилась Реформация.
Как таковое, Северное Возрождение не являлось однородным: в каждой стране оно имело определённые специфические черты. Так, культурология и искусствоведение разделяют немецкое, нидерландское, французское, испанское, английское, польское Возрождение и другие.
Художники, жившие к северу от Альп, не имели перед своими глазами образцов античного искусства. Здесь долго сохранялись традиции и навыки готического искусства, меньшее внимание уделялось исследованиям античного наследования и познанию анатомии человека. Портреты северных художников (например, Гольбейна) лишены гармонизации и идеализации действительности, которые свойственны их северным собратьям; в своей реалистичности они доходят до натурализма. С другой стороны, они не порывают со стихией народной, крестьянской жизни и фольклорными традициями; особенно показательно в этом отношении творчество Питера Брейгеля Старшего.

На стыке интернациональной готики и предренессансных веяний в Бургундских Нидерландах 1-й половины 15 века родилось старонидерландское искусство. Усложнённая иконография и запутанный символизм сочетались с предельным вниманием к подробностям домашнего обихода. Переход от темперы к масляной живописи позволял художником более рельефно и разносторонне передавать многообразие, глубину и блеск предметного мира.
Хотя в Италии эпохи кватроченто с интересом следили за достижениями нидерландских художников, итальянское влияние стало проникать в эти края только в 16 веке, когда баварец Альбрехт Дюрер ездил совершенствовать своё искусство в Венецию, а в Нидерландах сформировалась школа антверпенского маньеризма.
С началом Реформации религиозная живопись на севере Европы попала под запрет, зато стали формироваться новые жанры, основанные не столько на переосмыслении художественных достижений предыдущих поколений (как в Италии), сколько на непосредственном наблюдении за природой, — именно, пейзаж, натюрморт, жанровая живопись.

Наиболее выдающиеся образцы искусства Северного Возрождения представлены фламандо-голландской и немецкой живописью.
В Нидерландах и Фландрии это, прежде всего, Ян ван Эйк, Хуберт ван Эйк, Робер Кампен, Гуго ван дер Гус, Рогир ван дер Вейден, Ханс Мемлинг. Мастера «второго эшелона» — Гертген тот Синт Янс, Квентин Массейс, Бернар ван Орлей. Образцы более позднего периода — творчество Босха и Брейгеля, а также Иоахима Патинира, Адриана Изенбранта, Яна Провоста, Яна ван Скорела, Корнелис Энгелбрехтсен, Артген ван Лейден.
В Германии — Альбрехт Дюрер, Маттиас Грюневальд, Лукас Кранах старший, Альбрехт Альтдорфер, Ганс Гольбейн, Ханс Бальдунг, Вольф Губер, Мастер M. S. и другие. 
В Швейцарии — Ганс Гольбейн (Базельского периода, 1515—1532), Никлаус Мануэль по прозвищу Дёйч (Дойч), Ханс Леу младший, Ханс Фриз и Урс Граф.
Во Франции — художники Жан Фуке, Жан Клуэ, Франсуа Клуэ, Жан Гужон, Марк Дюваль, Франсуа Кенель, представители династии придворных художников Дюмустье, ранний Рогир ван дер Вейден.

Художники и произведения  www.wikiart.org/ru

 

Барокко

Барокко (произошло от итал. barocco — странный, причудливый или от порт. perola barroca — жемчужина неправильной формы, существуют и другие предположения о происхождении этого слова) — художественный стиль в искусстве позднего Возрождения. Стиль барокко появился в эпоху Позднего Возрождения, в конце XVI — начале XVII веков в итальянских городах: Риме, Мантуе, Венеции, Флоренции. Эпоху барокко принято считать началом триумфального шествия «западной цивилизации».
Барокко противостояло классицизму и рационализму.
Отличительные признаки этого стиля: преувеличенность размеров, изломанность линий, обилие декоративных подробностей, тяжесть и колоссальность.

Барокко — один из больших стилей, который главенствовал в архитектуре и искусстве европейских стран, начиная с конца 16 и до середины 18 веков. Барокко занимало период между Ренессансом и классицизмом, а в поздней своей версии оно называлось рококо.

Характерными чертами барокко Вёльфлин (Renaissance und Barock, 1888) называет живописность и страстность. Дворжак выделил из раннего барокко маньеризм. Впоследствии Панофский обозначил тенденцию видеть в барокко не антитезу, а продолжение Ренессанса.Главными характеристиками барокко стали масштабность, обилие декора, бурная динамика, стремление к иллюзорным эффектам в организации пространства интерьера — увеличение размеров помещений с помощью зеркал; высоты залов благодаря живописным плафонам, имеющим сложное решение перспективы.

Барокко уходит от ясности и простоты, предпочитая геометрической строгости, прямой линии изысканную кривую; упорядоченному движению — вихреобразное; локальному цвету — мерцающие, меняющиеся под воздействием светотени золотистые тона или яркие, праздничные, неожиданно дисгармоничные в своем победном звучании.

В каждой европейской стране барокко имеет свою специфику при сохранении основных особенностей стиля. Так, на родине, в Италии, этот стиль реализовался наиболее ярко и по времени раньше, чем, например, во Франции, где ведущая роль в XVII в. принадлежала классицизму.
В России развитие барокко приходится на первую половину и середину XVIII в. Свободное от мистической экзальтации, свойственной этому стилю в католических странах, искусство барокко в России прославляет крепнущую самодержавную власть.
В 1-й половине XVIII в. барокко повсеместно эволюционирует к грациозной лёгкости стиля рококо, сосуществует и переплетается с ним, а с 1760-х гг. вытесняется классицизмом.

 

 

Рококо

Рококо (франц. rococo, от rocaille — мелкий дробленый камень, раковины) — европейский художественный стиль, возникший во Франции в первой половине XVIII века как развитие стиля барокко позднего барокко. Наибольшее распространение получил в период царствования Людовика XV, оказав влияние на искусство других стран.
Характерными чертами рококо являются изысканность, большая декоративная нагруженность интерьеров и композиций, грациозный орнаментальный ритм, большое внимание к мифологии, личному комфорту.
В числе излюбленных орнаментальных мотивов рококо — стилизованные раковины, растительные завитки, головки амуров, псевдокитайские орнаменты и т. п. Рококо предпочитает дробные, мелкие формы.

Термин «рококо» (или «рокайль») вошел в употребление в середине XIX в. Изначально «рокайль» — это способ убранства интерьеров гротов, фонтанных чаш и т. п. различными окаменелостями, имитирующими естественные (природные) образования, и «рокайльщик» — это мастер, создающий такие убранства. То, что сейчас называют «рококо», в своё время называлось «живописным вкусом», но в 1750-х гг. активизировалась критика всего «выкрученного» и «вымученного», и в литературе стало встречаться именование «испорченный вкус».

Несмотря на популярность новых «античных форм», вошедших в моду в конце 1750-х гг. (это направление получило наименование «греческого вкуса»; предметы этого стиля часто неверно принимают за позднее рококо), так называемый Рококо сохранял свои позиции вплоть до самого конца столетия. Во Франции период рококо назывался временем Купидона и Венеры.
Наиболее заметно стиль рококо проявился в архитектуре и декоративно-прикладном искусстве, преимущественно связан с убранством дворцовых интерьеров.

В живописи влияние рококо проявилось в творчестве французских художников Н. Ланкре, Ф. Буше и др.

 

Золотой век голландской живописи

Золотой век голландской живописи — самая выдающаяся эпоха в нидерландской живописи, приходящаяся на XVII век. 

Господство протестантизма в Голландии XVII века привело к значительному сокращению заказов на религиозную живопись, и, одновременно, к взрывному распространению светских по тематике жанров. Именно в искусстве Голландии значительную мощь и развитие приобрели портрет, пейзаж, бытовой жанр, натюрморт, подобного которому не знали даже выдающиеся центры искусства в Италии или Франции. Мода на эти работы приобрела невиданный размах среди всех слоёв общества, что породило колоссальный спрос на картины. Именно эти события привели к тому, что XVII век стал «золотым» для голландского искусства.

Искусство Голландии XVII века стало своеобразным феноменом в художественной ситуации Европы XVII века. Путём, проложенным художниками Голландии, пойдут художники других национальных художественных школ Европы.
Активное усвоение научных исследований, технических навыков, изучение природных явлений, природных ресурсов океана и отдалённых уголков мира, колониальные войны и эмиграция из страны — характерные признаки XVII века. На все эти события откликнулась и голландская живопись. Сюжетами картин голландских художников становятся также Ост-Индская кампания, мануфактуры по переработке китового жира, заседания ботанических обществ. Ряд «анатомических уроков» создали Михиль Миревельт, Рембрандт, Корнелис Трост, Корнелис де Ман, Ян ван Нек.

В Голландии XVII века жили и работали около 2000 художников. Большинство из них принято обозначать условным термином «малые голландцы», который отражает как небольшой размер, так и камерный характер их произведений. Малые голландцы работали преимущественно в трёх жанрах — пейзаж, натюрморт и бытовой жанр — причём для них была характерна узкая специализация.
Отдельную группу в искусстве Голландии XVII века заняли так называемые «утрехтские караваджисты». Жители Утрехта, в отличие от большинства художников протестантской Голландии, исповедовали католицизм и всё ещё поддерживали связь с культурным и религиозным центром того времени — Римом. Тут в том числе работали представители нидерландского маньеризма предыдущей эпохи, то есть XVI века. Среди художников, десятилетиями живших и работавших в Риме, были Хонтхорст, Дирк ван Бабюрен, Паулюс Бор, Тербрюгген.

Развитие гравюры XVI века в Нидерландах (Лука Лейденский, Иеронимус Виерикс, Питер Брейгель старший) подготовило расцвет техники голландского офорта в XVII веке.
Эсайас ван де Вельде основал в офорте тему голландского сельского пейзажа. Наивные виды уступали панорамным изображениям его соотечественников-последователей (Ян ван Акен, Адриан Остаде, Антони Ватерлоо), но были первыми по времени.

Живопись золотого века оказала влияние на многих художников от XVII века до современности.

Известными представителями голландской живописи того времени были Рембрандт, Франс Халс, Ян Вермеер, Питер де Хох, Ян Хавикзоон Стен, Герард Терборх, Якоб ван Рёйсдал, Виллем Корнелис Дейстер, Паулюс Бор, Ян Ливенс и другие.

Художники и произведения www.wikiart.org/ru 

 

Классицизм

Классицизм (произошло от лат. classicus — образцовый) — художественный стиль и эстетическое направление в европейской литературе и искусстве 17 — начала 19 вв., одной из важных черт которых являлось обращение к образам и формам античной литературы и искусства, как идеальному эстетическому эталону.

Художественное произведение, с точки зрения классицизма, должно строиться на основании строгих канонов, тем самым, обнаруживая стройность и логичность самого мироздания. Интерес для классицизма представляет только вечное и неизменное. В каждом явлении он стремится распознать только существенные, типологические черты, отбрасывая случайные индивидуальные признаки.
Многие правила и каноны классицизм берет из античного искусства.
Классицизм в живописи представляет собой, прежде всего, единение современного мира для художника с античным наследием. В произведениях живописи противопоставлялся разум человека силам природы, общественное – личному.
Классицизм, как один из наследников античности, само собой, относил к высокому жанру картины, которые были написаны на исторические и мифологические сюжеты.

Поздний классицизм, называемый также ампир, приобретает черты парадности и пышности, выразившиеся в архитектуре и прикладном искусстве первой трети XIX в.
Русский классицизм во второй половине XVIII — начале XIX вв. воплотил новый, небывалый по размаху, национальному пафосу и идейной наполненности расцвет культуры.

В живописи видными мастерами классического жанра были А. П. Лосенко, Г. И. Угрюмов, И. А. Акимов, А. И. Иванов, А. Е. Егоров, ранний А. А. Иванов.
Принципы классицизма отразились также в живописных портретах Д. Г. Левицкого, Боровиковского В. Л., пейзажах Матвеева Ф. М..

 

Неоклассицизм

Неоклассицизм— термин, обозначающий художественные явления последней трети XIX-XX вв., которым присуще обращение к традициям античного искусства, искусства эпохи Возрождения или классицизма.
Возникновение неоклассицизма обусловлено стремлением противопоставить некие «вечные» эстетические ценности тревожной и противоречивой реальности. 

В зарубежном искусствоведении неоклассицизмом часто называют классицизм в архитектуре и изобразительном искусстве второй половины XVIII — первой трети XIX веков, в отличие от классицизма более раннего периода.
Во Франции классицизмом называют стиль XVII века, стиль Людовика XIV (Louis XIV). Под неоклассицизмом же понимают стиль второй половины XVIII века, стиль Людовика XVI (Louis XVI).

В России и Германии неоклассицизмом называют ретроспективный стиль начала XX века, «отличавшийся от „старого доброго“ русского классицизма и материалами, и подчёркнуто выразительной прорисовкой классических форм и деталей, а иногда сокращением деталей и смешением классических и ренессансных мотивов».
Аналоги неоклассицизма в зарубежной практике — американский ренессанс и колониальное возрождение в США (1876—1914).

Идеи неоклассицизма предвосхищали английские художники-прерафаэлиты еще в середине XIX века.  Однако это течение в западноевропейской живописи сложилось только к концу 1870-х годов в Германии. «Неоидеалисты» (А. Фейербах, художники "Римского кружка": Х. фон Маре, А. фон Гильдебранд) стремились возродить монументальность и пластичную чёткость классического искусства, обращаясь к примерам из античности.
Наибольшее распространение неоклассицизм получил в конце XIX — начале XX веков, явившись одной из разновидностей реакции на эферность художественной формы в импрессионизме. Неоклассицизм сочетал в общем русле позднеакадемические тенденции, в той или иной степени программное следование принципам античного искусства (в основном периода архаики), реже — искусства итальянского Возрождения (в основном раннего) и классицизма, наконец, соприкосновение (порой очень близкое) со стилистикой модерна.

С подлинным неоклассицизмом иногда ошибочно отождествляют художников салонного искусства, главным образом французской академической школы, также обращавшимся к модным во второй половине и в конце XIX в. античным темам и образам: В.-А Бугро, Т. Кутюра, А. Фальгьера, Ж.-Л. Жерома, А. Кабанеля, С. В. Бакаловича, Г. И. Семирадского. Даже творчество такого выдающегося мастера, как Ж.-О.-Д. Энгр, колеблется между неоклассикой и салоном. Критериями в данном случае являются не темы и сюжеты, а творческий метод и эстетический вкус

Неоклассицизм (или его элементы) в той или иной мере присутствует в творчестве таких мастеров конца XIX — 1-й половины XX вв., как живописец-экспрессионист Ф. Ходлер, пассеист П. Пюви де Шаванн, "синтетик" М. Дени, стилизатор Л. С. Бакст, портретист В. А. Серов, неоакадемисты В. И. Шухаев и А. Е. Яковлев, ни на кого не похожий К. С. Петров-Водкин. Причастность к неоклассицизму обнаруживают течения в изобразительном искусстве 20—30-х годов, возникшие как реакция на новые течения (экспрессионизм, футуризм, кубизм и др.)

 

Академизм

Академизм (фр. academisme) — направление в европейской живописи XVII—XIX веков, базой развития которого служили художественные академии. Академизм вырос на следовании внешним формам классического искусства.
Последователи характеризовали этот стиль как рассуждение над формой искусства древнего античного мира и Возрождения.
История развития академизма связана с «Академией вступивших на правильный путь» в Болонье (около 1585 года), французской Королевской академией живописи и скульптуры (1648 год), и российской Академией трех знатнейших художеств (1757 год).
В основе деятельности всех заведений лежала строго регламентированная система обучения, ориентированная на великие достижения предшествующих эпох — Античности и итальянского Возрождения, откуда сознательно отбирались отдельные качества классического искусства, принимавшиеся идеальными непревзойденными.

Академизм помогал компоновке объектов в художественном образовании, воплощал в себе традиции античного искусства, в которых идеализирован образ натуры, компенсируя при этом норму красоты. «Салонные» художники, насаждали в искусстве пышность, эротику, эклетику, поверхностную развлекательность и внешнюю виртуозность.
Словом «академизм» часто определяют два различных художественных явления- академический классицизм конца XVIII - начала ХIХ века и академизм середины-второй половины ХIХ века.

Для русского академизма первой половины XIX века характерны возвышенная тематика, высокий метафорический стиль, многоплановость, многофигурность и помпезность. Были популярны библейские сюжеты, салонные пейзажи и парадные портреты. При сюжетной ограниченности тематики картин работы академистов отличались высоким техническим мастерством. 

Расцвет академизма пришелся на 19 век. Во Франции это направление связано с творчеством таких прославленных мастеров, как Жан Огюст Доминик Энгр, Адольф Вильям Бугро, Александр Кабрнель, Поль Деларош, Жан-Леон Жером, Поль Жозеф Жамен.
К представителям академизма относят Луиджи Муссини в Италии, Фёдора Бруни, Александра Иванова, Карла Брюллова в России.

 

Романтизм

Романтизм (франц. romantisme) - идейное и художественное направление в европейской и американской духовной культуре кон. 18 — 1-й пол. 19 вв.
Романтизм возник в 1790-е гг. сначала в Германии, а затем распространился по всему западноевропейскому культурному региону.
К основным особенностям романтического стиля надо отнести игровую стихию, которая растворяла эстетические рамки классицизма; обостренное внимание ко всему своеобычному и нестандартному (причем особенному не просто отводилось место во всеобщем, как это делал барочный стиль или предромантизм, но переворачивалась сама иерархия общего и единичного); интерес к мифу и даже понимание мифа как идеала романтического творчества; символическое истолкование мира; опору на фольклор, предпочтение образа понятию, эстетическую интерпретацию религии, идеализацию прошлого и архаических культур, эстетизацию быта, морали, политики.

Большинство национальных школ романтизма в изобразительном искусстве сложилось в борьбе с официальным академическим классицизмом.
Наиболее последовательная романтическая школа сложилась во Франции, где художники, реформируя систему выразительных средств, динамизировали композицию, объединяли формы бурным движением, использовали яркий насыщенный колорит и широкую, обобщенную манеру письма (живопись Т. Жерико, Э. Делакруа, О. Домье, пластика П.Ж. Давида д’Анже, А.Л. Бари, Ф. Рюда).

В Германии и Австрии раннему романтизму свойственны пристальное внимание ко всему остроиндивидуальному, меланхолически-созерцательная тональность образно-эмоционального строя, мистико-пантеистические настроения (портреты и аллегорические композиции Ф.О. Рунге, пейзажи К.Д. Фридриха и Й.А. Коха), стремление возродить религиозный дух немецкой и итальянской живописи 15 в.(творчество назарейцев); своеобразным сращением принципов романтизма и «бюргерского реализма» стало искусство бидермейера (творчество Л. Рихтера, К. Шпицвега, М. фон Швинда, Ф.Г. Вальдмюллера).
В Великобритании романтической свежестью живописи отмечены пейзажи Дж. Констебла и Р. Бонингтона, фантастичностью образов и необычностью выразительных средств – работы У. Тёрнера, привязанностью к культуре средневековья и Раннего Возрождения – творчество мастеров позднеромантического движения прерафаэлитов Щ.Г. Россетти, Э. Бёрн-Джонса, У. Морриса и др.).
В других странах Европы и Америки романтическое движение было представлено пейзажем (живопись Дж. Иннесса и А.П. Райдера в США), композициями на темы народного быта и истории (творчество Л. Галле в Бельгии, Й. Манеса в Чехии, В. Мадараса в Венгрии, П. Михаловского и Я. Матейко в Польше и др.).

Одним из ответвлений романтизма в живописи является стиль бидермейер.
Художники воспевают на своих холстах эмоции, внутренние порывы, страхи, любовь и ненависть. С помощью сочных красок и сильных, уверенных мазков художники изображали фантастические пейзажи, прекрасных девушек, буйство стихий и волшебные сказки. Представители данного жанра: Франциско Гойя, Эжен Делакруа.

 

Реализм

Реализм — (от позднелат. reālis «действительный») — направление в искусстве, ставящее целью правдивое воспроизведение действительности в её типичных чертах.
Под реализмом в узком смысле понимают позитивизм как направление в изобразительном искусстве 2-й половины XIX века. Господство реализма следовало за эпохой Романтизма и предшествовало Символизму.
Реализм, понимаемый как основная тенденция исторического развития искусства, предполагает стилевое многообразие и имеет свои конкретно-исторические формы: реализм древнего фольклора, искусства античности и поздней готики.

Реализм 19 в. явился формой ответной реакции на романтическую и классическую идеализацию, а также на отрицание общепринятых академических норм. Ведущими принципами реализма 19 в. стали объективное отображение существенных сторон жизни, сочетающиеся с высотой и истинностью авторского идеала; воспроизведение типичных характеров и ситуаций при полноте их художественной индивидуализации; предпочтение в способах изображения «форм самой жизни» с преобладающим интересом к проблеме «личность и общество».

Реализм в культуре 20 в. характеризуется поисками новых связей с действительностью, оригинальных творческих решений и средств художественной выразительности. Он не всегда предстает в чистом виде, зачастую переплетаясь в сложный узел с противоположными течениями – символизмом, религиозным мистицизмом, модернизмом.

Мастера реализма: Гюстав Курбе, Оноре Домье, Жан-Франсуа Милле, Илья Репин, Василий Перов, Иван Крамской, Василий Суриков, Рокуэлл Кент, Диего Ривера, Андре Фужерон, Борис Таслицкий.

 

Наивное Искусство (Примитивизм)

Примитивизм— стиль живописи, зародившийся в XIX-XX веках предполагавший намеренное опрощение изобразительных средств и обращение художников к формам т. н. примитивного искусства — первобытного, средневекового, народного, искусства древних внеевропейских цивилизаций, детского творчества.
Распространение примитивизма как творческого принципа обусловлено стихийно-анархическим неприятием рядом художников современной буржуазной культуры (с её острыми противоречиями и господствующим в ней духом позитивизма), их бегством от действительности к первозданным, «незамутнённым» пластам жизни.

Примитивизм исходит из эстетического освоения художественных культур, ранее считавшихся «низменно-грубыми», «варварскими», и стремления обрести их средствами целостность, эмоциональную ясность, «спонтанность» мировосприятия, противостоящие как аналитическому реализму, так и натурализму и импрессионизму.

Термин «примитивизм» часто применяется и по отношению к т. н. наивному искусству, т. е. творчеству мастеров, не получивших профессиональной подготовки. Основное отличие от наивного искусства: наив — живопись непрофессионалов, а примитивизм — стилизованная живопись профессионалов.

Произведениям этих художников (А. Руссо во Франции, Н. Пиросманашвили в Грузии, Ф. Мухе в Германии, Р. Вива в Италии, И. Генералич в Хорватии, Х. Пиппин и А. М. Робертсон, прозванная «бабушка Мозес», в США и др.) присущи своеобразная детскость в интерпретации натуры, сочетание (порой комичное) обобщенности форм и мелкой буквальности в деталях.

Наиболее известные художники этого направления: Анри Руссо, Марк Шагал, Нико Пиросмани, Иван Генералич, Бабушка Мозес, Мария Примаченко, Генри Дарджер, Никифор Крыницкий, Бунлыа Сулилат

 

Социальный Реализм

Социальный реализм — это международное движение в искусстве; оно включает в себя работу художников, печатников, фотографов и кинематографистов, которые обращают внимание на бытовые условия рабочего класса и бедных слоев населения.
Социальные реалисты выражают критику социальных структур, которые поддерживают эти условия. В то время как характеристики этого движения варьируются от страны к стране, социальный реализм почти всегда использует форму описательного или критического реализма.

Социальный реализм восходит к европейскому реализму 19-го века, в том числе к искусству Оноре Домье, Курбе и Милле.  В России, «Передвижники» были «Социальными реалистами»; они критически относились к социальной среде, которая порождала тяжелые бытовые условия для народа, и осуждали пороки царского периода.

Многие художники, которые называли себя социальными реалистами были людьми с социалистическими (но не обязательно марксистскими) политическими взглядами. В связи с этим, это движение имеет некоторые общие черты с социалистическим реализмом Советского Союза и Восточного блока. Но они не идентичны — социалный реализм не являлся официальным искусством, а также позволял пространство для субъективности. В некоторых контекстах, социалистический реализм был описан как специфическая ветвь социалного реализма.

Стиль Социального реализма выпал из моды в 1960-х годах, но он по-прежнему имеет большое влияние на мышление и искусство сегодня. Художники в Западной Европе приняли социальный реализм в начале 20-го века, в том числе немецкие художники Кете Кольвиц («Изнасилованная женщина»), Джордж Грос («Тевтонский день»), Отто Дикс и Макс Бекман; шведский художник Торстен Билман; и голландец Пейке Кох.
Социальный реализм характеризует работы французского художника Гюстава Курбе, также сюда относятся произведения Оноре Домье и Милле. Позднее в этом стиле работали французские художники Морис де Вламинк, Роже де ла Френе, Жан Фотрие, и Фрэнсис Грубер.
В Британии художники, такие как американец Джеймс Уистлер, а также английские художники Геркомер и Люк Филдес имел большой успех с реалистическими картинами, которые задавали социальные вопросы и изображали «реальный» мир.
«Школа мусорных вёдер» — художественное направление, возникшее в живописи США в начале XX века. Многие работы представителей школы посвящены реалистичному изображению повседневной жизни бедных и рабочих кварталов Нью-Йорка.

 

Символизм

Символизм (фр. Symbolisme– знак, символ) — одно из крупнейших направлений в искусстве (в литературе, музыке и живописи), возникшее во Франции в 1870—1880-х годах и достигшее наибольшего развития на рубеже XIX и XX веков, прежде всего в самой Франции, Бельгии и России.
Символизм возник как альтернатива исчерпавших себя и художественной практики реализма и натурализма, обратившись к антиматериалистическому, антирационалистскому образу мышления и подхода к искусству. В основе его мировоззренческой концепции лежала идея существования за миром видимых, реальных вещей другой, настоящей действительности, смутным отражением которой и является наш мир.

Символисты радикально изменили не только различные виды искусства, но и само отношение к нему. Их экспериментаторский характер, стремление к новаторству, космополитизм и обширный диапазон влияний стали образцом для большинства современных направлений искусства. Символисты использовали символику, недосказанность, намёки, таинственность и загадочность. 

«Воображение, создающее аналогии или соответствия и передающее их образом, вот формула символизма». Термин «символизм» в искусстве впервые был введён в обращение французским поэтом Жаном Мореасом в одноимённом манифесте — «Le Symbolisme», опубликованном 18 сентября 1886 года в газете «Le Figaro».

Основные принципы эстетики символизма впервые появились в творчестве французских поэтов Шарля Бодлера, Поля Верлена, Артюра Рембо, Стефана Малларме, Лотреамона.
Символизм в изобразительном искусстве – явление сложное и неоднородное, не сформировавшееся в единую систему и не выработавшее своего художественного языка. Вслед за поэтами-символистами художники искали вдохновения в тех же образах и сюжетах: темы смерти, любви, порока, греха, болезни и страданий, эротика привлекали их. Характерной чертой движения было сильное мистико-религиозное чувство. Художники-символисты часто обращались к аллегории, мифологическим и библейским сюжетам.

Черты символизма отчетливо прослеживаются в творчестве самых разных мастеров – от Пюви де Шаванна, Г.Моро, О.Редона и прерафаэлитов до постимпрессионистов (П.Гогена, Ван Гога, «набидов» и др.), работавших во Франции ( родине символизма), Бельгии, Германии, Норвегии и России.

Мастера символизма: Гюстав Моро, Пьер Пюви де Шаванн, Одилон Редон, Фелисьен Ропс, Эдвард Бёрн-Джонс, Данте Габриэль, Россетти, Джон Эверетт Миллес, Уильям Холмен Хант, Виктор Борисов-Мусатов, Михаил Врубель.

 

Сюрреализм

Сюрреализм (от фр. surréalisme, буквально «сверх-реализм», «над-реализм») — направление в литературе и искусстве двадцатого века, сложившееся в 1920-х годах. Отличается использованием аллюзий и парадоксальных сочетаний форм.

Основоположником сюрреализма считается писатель и поэт Андре Бретон, автор первого манифеста сюрреализма (1924). В пьесе Гийома Аполлинера «Груди Тиресия» (фр. «Les mamelles de Tirésias») 1917 года, сюрреалистической драме в двух актах и с прологом, было введено понятие «сюрреализм».

Основное понятие сюрреализма, сюрреальность — совмещение сна и реальности. Для этого сюрреалисты предлагали абсурдное, противоречивое сочетание натуралистических образов посредством коллажа и технологии «ready-made». Сюрреалисты были вдохновлены радикальной левой идеологией, однако революцию они предлагали начать со своего сознания. Искусство мыслилось ими основным инструментом освобождения.

Сюрреализм коренился в символизме и первоначально был подвержен влиянию таких художников-символистов, как Гюстав Моро (фр. Gustave Moreau) и Одилон Редон. Сюрреалисты выполняли свои работы без оглядки на рациональную эстетику, используя фантасмагорические формы. Они работали с такими тематиками, как эротика, ирония, магия и подсознание. 
Хотя центром сюрреализма был Париж, с 1920 по 60-е годы он распространился по всей Европе, Северной и Южной Америке (включая страны Карибского бассейна), по Африке, Азии, а в 80-х годах и по Австралии.

Выдающимися мастерами сюрреализма в живописи стали Сальвадор Дали, Рене Магритт, Жоан Миро, Поль Дельво, Макс Эрнст.

Художники и произведения  www.wikiart.org/ru

 

Магический Реализм

Магический реализм (англ. Magic realism) – художественный метод, в котором магические элементы включены в реалистическую картину мира, а также художественное течение в американской живописи 1930-1950-х гг., объединившее несколько молодых нью-йоркских художников. Магический реализм — это стиль изобразительного искусства, который использует реализм в сочетании с некоторой кажущейся аберрацией зрения художника при изображении повседневных сюжетов.  В живописи этот термин иногда взаимозаменяем с постэкспрессионизмом. 

В современном значении этот термин скорее описательный, чем точный. Первоначально термин «магический реализм» использовался немецким критиком Францем Рохом чтобы охарактеризовать сторонников направления «Новая вещественность», в чьем творчестве сочетались подчеркнутая предметность и реальность изображений с ощущением страшного «демонического» начала в мире, фотографическая точность с элементами парадоксальности, рождавшие у зрителя чувство нереальности, наполняющее повседневное бытие атмосферой тайны..  Эта тенденция была подхвачена и развита многими художниками, в том числе сюрреалистами, среди которых Хуан Миро и Рене Магритт.

Как художественное направление магический реализм сложился на американской почве, став эквивалентом европейского сюрреализма. Во многом отвечая вкусам и потребностям американского зрителя, произведения мастеров магического реализма носили эпатирующий, шокирующий своей откровенностью характер, при этом сочетая его с анекдотичностью ситуаций и карикатурностью персонажей.

Мастера магического реализма: Пол Кадмус, Джордж Тукер, Джаред Френч, Айвен Олбрайт, Филипп Эвергуд, Петер Блюме, Грегори Гиллеспи.

 

Импрессионизм

Импрессионизм (фр.impressionisme, от impression – впечатление) – художественное направление в искусстве, возникшее во Франции во второй половине XIX в.
Художественная концепция импрессионизма строилась на стремлении естественно и непринужденно запечатлеть окружающий мир в его изменчивости, передавая свои мимолетные впечатления. Импрессионисты избегали всяких подробностей в рисунке и пытались уловить общее впечатление от того, что видит глаз в конкретный момент. Этого эффекта они достигали при помощи цвета и фактуры. 

Импрессионизм зародился в 1860-х годах, когда молодые художники-жанристы Э. Мане, О. Ренуар, Э. Дега попытались вдохнуть во французскую живопись свежесть и непосредственность наблюдения жизни, изображение мгновенных ситуаций, зыбкость и неуравновешенность форм и композиций, необычные ракурсы и точки зрения. К началу 1870-х годов импрессионистическое видение сформировалось в пейзаже: К. Моне, К. Писсарро, А. Сислей впервые выработали в своих произведениях последовательную систему пленэра. Работа на открытом воздухе помогала им создавать на полотнах ощущения сверкающего света, богатства природных красок, растворения объектов в среде, вибрации света и воздуха.
Во многом этому способствовала разработанная в тонкостях колористическая система, при которой сложные тона разлагались на чистые цвета солнечного спектра. Они накладывались на холст раздельными мазками в расчете на оптическое смешение их в глазах зрителя, что создавало удивительно светлую, как бы трепещущую живопись. Особое внимание художниками- импрессионистами уделялось взаимоотношениям предмета с окружением, исследованиям изменения цвета и тона объекта в изменяющейся среде.

Как живописный метод импрессионизм использовали в своих поисках мастера и других стран – Англии (Дж. Уинстлер), Германии ( М. Либерман и Л. Коринт), России (И.Грабарь и К.Коровин). На базе импрессионизма зародились неоимпрессионизм, постимпрессионизм, фовизм, приведшие в свою очередь к возникновению новых художественных эстетик и направлений.

Самые известные художники этого направления живописи: Эдуард Мане, Огюст Ренуар, Эдгар Дега, Клод Моне, Камиль Писсарро, Альфред Сислей, Берта Моризо, Гюстав Кайботт, Джеймс Уистлер, Константин Коровин, Ловис Коринт

Художники и произведения www.wikiart.org/ru 

 

Постимпрессионизм

Постимпрессионизм – (фр. postimpressionisme, от лат. post – после, т.е. после импрессионизма) – собирательное наименование нескольких направлений французского искусства конца XIX в., возникших вслед за импрессионизмом.

Постимпрессионизм охватывает период с 1886 года, когда состоялась последняя выставка импрессионистов, на которой были впервые представлены работы пуантилистов, до 1910-х годов, возвестивших о рождении совершенно нового искусства в формах кубизма и фовизма. 

Постимпрессионизм - явление неоднородное. Для постимпрессионизма характерны разные творческие системы и техники, объединённые, по сути, лишь тем, что они отталкивались от импрессионизма. Они сильно повлияли на последующее развитие изобразительного искусства, став основой направлений в современной живописи.
Единственное, что объединяет всех художников- постимпрессионистов, - это определенное отталкивание от импрессионизма как от некоего фундамента, на основе которого начались их собственные « художественно-эстетические искания, выражавшиеся в стремлении передавать на полотне не сиюминутные, но длительные, сущностные состояния жизни.
Художники этого направления отказывались изображать только зримую действительность (как натуралисты) или сиюминутное впечатление (как импрессионисты), а стремились изображать её основные, закономерные элементы, длительные состояния окружающего мира, сущностные состояния жизни, при этом подчас прибегая к декоративной стилизации.

Крупные мастера своей проблематикой положили начало многим тенденциям изобразительного искусства XX в.: работы Ван Гога предвосхитили появление экспрессионизма, Гоген проложил путь к символизму и модерну. При этом многие мелкие направления (например, пуантилизм), существовали только в данный хронологический период.

К этому направлению исследователи относят творчество пуантилистов (Жорж Сёра, Поль Синьяк, М. Люс, А.- Э. Кросс), художников группы «Наби» (Пьер Боннар, Э. Вюйар, Морис Дени, Ф. Валлоттон), художников Понт-Авенской школы (Э. Бернар, П. Серюзье, Я. Веркаде), а также творения гениальных одиночек : Винсент Ван Гог, Анри де Тулуз-Лотрек, Поль Гоген, Поль Сезанн, Анри Руссо. 

Известные работы художников постимпрессионистов artchive.ru/styles/postimpressionizm

 

Ар Нуво/ Модерн

Ар Нуво (от фр. art nouveau, буквально — новое искусство) — распространённое во многих странах (Бельгия, Франция, Англия, США и др.) название стиля модерн.
Модерн (от фр. moderne — современный) — художественное направление в архитектуре, декоративно-прикладном и изобразительном искусстве, наиболее распространённое в последнем десятилетии XIX — начале XX века (до начала Первой мировой войны).
В различных странах стиль имел разные названия: во Франции - «ар-нуво»(фр. art nouveau, букв. «новое искусство») или «fin de siècle» (фр. «конец века»); в Англии - «современный стиль» (англ. modern style); в Германии - «югендстиль» (нем. Jugendstil — «молодой стиль»; в Бельгии - «стиль двадцати»; в Италии - «либерти» («стиль Либерти»); в Испании - «модернизмо» (исп. modernismo); в Нидерландах - «Nieuwe Kunst»; в США - «тиффани» (по имени Л. К. Тиффани); в России - «модерн».

Отличительными особенностями модерна является отказ от прямых линий и углов в пользу более естественных, «природных» линий, интерес к новым технологиям (например, в архитектуре), расцвет прикладного искусства. Модерн стремился сочетать художественные и утилитарные функции создаваемых произведений, вовлечь в сферу прекрасного все сферы деятельности человека.

Период развития модерна имеет достаточно четкие хронологические границы: от конца 1880-х гг. до 1914 г., начала первой мировой войны, оборвавшей естественное развитие искусства в большинстве стран Европы. Заметное влияние на стиль модерна оказало искусство Японии, ставшее более доступным на Западе с началом эпохи Мэйдзи. Художники модерна также черпали вдохновение из искусства Древнего Египта и другие древние цивилизации.

Самые известные художники этого направления живописи: Густав Климт (1862 – 1918), Альфонс Муха (1860 – 1939)

 

Неоимпрессионизм/ Дивизионизм/ Пуантилизм

Неоимпрессионизм – (фр. neoimpressionisme) – разновидность постимпрессионизма; художественное направление в живописи, возникшее во Франции около 1885 г., главным теоретиком и вдохновителем которого был Жорж Сёра.

Главным живописным методом нового течения стал дивизионизм (от франц. division — разделение) – система, основанная на целенаправленном разложении сложного цветового тона на чистые цвета, которые наносились на холст раздельными мазками.
На основе дивизионизма Сёра и Синьяк разработали необычную технику письма – пуантилизм, которая заключалась в том, что краски наносились на полотно в виде маленьких точек и квадратов, которые при восприятии картины с определенного расстояния оптически сливались в сетчатке глаза зрителя в созданные художником формы и образы. Смешение цветов с образованием оттенков происходит на этапе восприятия картины зрителем. 

Самые известные художники, писавшие в этом стиле: Жорж Сёра (1859 — 1891), Поль Синьяк (1863-1935), Анри Матисс (1869-1954), Камиль Писсарро, Люсьен Писсарро, Анри Эдмон Кросс, Шарль Теофил Ангран, Максимилиан Люс, Ипполит Птижан, Жорж Леммен, Тео Ван Риссельберге,Джованни Сегантини, Николай Мещеряков.

 

 

Экспрессионизм

Экспрессионизм (от лат. expressio, «выражение») — течение в европейском искусстве эпохи модернизма, получившее наибольшее развитие в первые десятилетия XX века, преимущественно в Германии и Австрии. Экспрессионизм стремится не столько к воспроизведению действительности, сколько к выражению эмоционального состояния автора.

В разные времена понятие «экспрессионизм» трактовалось неодинаково. В том смысле, в каком истолковывают этот термин сегодня (по крайней мере когда говорят о «немецком экспрессионизме») он означает широкое культурное движение, зародившееся в Германии и Австрии в начале XX. Слово «экспрессионизм» широко использовалось в Германии и Австрии применительно к живописи, скульптуре и гравюре, позднее — к литературе, театру и танцевальному искусству.
Практически до начала Первой мировой войны понятие «экспрессионизм» включало такие неоднородные течения в искусстве, как фовизм, футуризм и кубизм.
Своими предшественниками немецкие экспрессионисты считали постимпрессионистов, которые в конце XIX века, открывая новые экспрессивные возможности цвета и линии, перешли от воспроизведения действительности к выражению собственных субъективных состояний.

Мировоззренческой основой экспрессионизма стал индивидуалистический протест против уродливой действительности, все большее отчуждение человека от мира, чувства бесприютности, крушения, распада тех начал, на которых, казалось, так прочно покоилась европейская культура.
Экспрессионистам свойственно тяготение к мистике и пессимизм. Художественные приемы, характерные для экспрессионизма: отказ от иллюзорного пространства, стремление к плоскостной трактовке предметов, деформация предметов, любовь к резким красочным диссонансам, особый колорит, заключающий в себе апокалиптический драматизм.

Известные художники направления: Эдвард Мунк (1863 – 1944), Василий Кандинский (1866 – 1944), Амедео Модильяни (1884 – 1920), Пауль Клее (1879 – 1940), Эрнст Людвиг Кирхнер (1880 – 1938), Зинаида Серебрякова (1884 – 1967) , Эгон Шиле (1890 – 1918)

 

Кубизм

Кубизм (от фр. cubisme, произошло от cube — куб) — модернистское направление в живописи, зародившееся в начале XX века во Франции и характеризующееся использованием подчёркнуто геометризованных условных форм, стремлением «раздробить» реальные объекты на стереометрические примитивы.

Термин «кубизм» возник из критического замечания по поводу работ Ж.Брака о том, что он сводит «города, дома и фигуры к геометрическим схемам и кубам». Художественная концепция кубизма строилась на попытке найти простейшие пространственные модели и формы вещей и явлений, в которых выразились бы вся сложность и многообразие жизни.

Английский искусствовед Эрнст Гомбрих выводит истоки кубизма из творчества французского художника Поля Сезанна, приводя как пример его работы «Гора Сент-Виктуар со стороны Бельвю» и «Горы в Провансе», а также его ответ на письмо молодого Пабло Пикассо: «В одном из писем Сезанн рекомендует молодому художнику рассматривать натуру как совокупность простых форм — сфер, конусов, цилиндров. Он имел в виду, что эти базисные формы необходимо держать в сознании как организующее начало картины. Однако Пикассо и его друзья восприняли совет буквально».

Возникновение кубизма традиционно датируют 1905—1907 годами и связывают с творчеством Пабло Пикассо и Ж. Брака. Термин «кубизм» появился в 1908 году, после того как Анри Матисс увидев пейзажи Дома в Эстаке, написанные Ж. Браком в 1908 воскликнул "Что за кубики" (фр. bizarreries cubiques).

Самый известный художник этого направления живописи: Пабло Пикассо (1881-1973).
Другие известные художники: Жорж Брак, Хуан Грис, Луи Маркуси, Фернан Леже, Альбер Глез, Жан Метценже, Марсель Дюшан, Франсис Пикабиа, Александр Архипченко, Жак Липшиц, Андре Лот.

 

Социалистический Реализм (Соцреализм)

Социалистический реализм – теоретический принцип и официальное художественное направление , господствовавшие в СССР с середины 1930-х до начала 1980-х гг.,
художественный метод литературы и искусства (ведущий в искусстве Советского Союза и других социалистических стран), представляющий собой эстетическое выражение социалистически осознанной концепции мира и человека, обусловленной эпохой борьбы за установление и созидание социалистического общества.

Изображение жизненных идеалов при социализме обусловливает и содержание, и основные художественно-структурные принципы искусства. Его возникновение и развитие, связаны с распространением социалистических идей в разных странах, с развитием революционного рабочего движения.

Уже в 1920-х гг. в советском искусстве сложилось представление об его историческом предназначении – утверждать в реалистической форме социалистические идеалы, образы новых людей и общественных отношений.
Эстетическое понятие «реализм» было соединено с определением «социалистический», что на практике вело к подчинению литературы и искусства принципам идеологии и политики.
Жесткие регламентированные нормы, определяющие содержание и форму произведений, круг сюжетно-тематических композиций, типизированных образов и т.д., вели к усилению в искусстве черт изобразительности, иллюстративности и декоративных излишеств, фактически превратились в запреты, тормозившие творчество и стимулировавшие создание посредственных конформистских произведений.
Тем не менее, за годы его существования было создано немало значительных произведений, которые составили славу советского искусства и литературы.

Мастера социалистического реализма: Александр Герасимов, Борис Иогансон, Вера Мухина, Юрий Пименов, Александр Дейнека, Сергей Чуйков, Павел Корин, Евгений Моисеенко, Аркадий Пластов, Николай Андреев, Исаак Бродский.

 

Абстрактный Экспрессионизм

Абстрактный Экспрессионизм - художественное в абстрактном искусстве, возникшее в США в 1940-х годах, и представленное главным образом творчеством художников Нью-Йоркской школы.
Несмотря на название, это течение никогда не было ни полностью абстрактным, ни полностью экспрессионистским; оно вмещает в себя несколько довольно различных стилей. Тем не менее, эти стили объединяет общее стремление: переопределить саму природу живописи.

Абстрактный экспрессионизм продолжил «освобождение» искусства от какого-либо контроля разума и логических законов, поставив своей целью спонтанное выражение внутреннего мира художника, его подсознания в хаотических, абстрактных формах и взяв за главный творческий принцип самопроизвольное, автоматическое нанесение красок на холст, происходящее исключительно под влиянием психических и эмоциональных состояний.

Это художественное направление доминировало в американской культуре вплоть до начала 1960-х годов, став одним из первых серьезных течений в американской живописи и повлияв на процесс развития всего мирового искусства.
Абстрактный Экспрессионизм, по сути, продолжил в Америке тенденцию, намеченную в Европе Абстракционизмом и Сюрреализмом. Он освободил искусство от законов логики и законов цветового синтаксиса, установленных европейской культурой, и обратился к религии, мифу и хаосу бессознательного.

Абстрактный Экспрессионизм возник сразу в двух разных «версиях». Первая – это Живопись Действия (Джексон Поллок, Виллем де Куннинг), где художник акцентировал внимание на экспрессивности и спонтанности через разбрызгивание краски и нанесение штрихов; вторая - Живопись Цветового Поля (Барнетт Ньюман, Марк Ротко), в рамках которой художник работал в более спокойной манере с большими массивами цвета.

 

Абстракционизм

Абстракционизм (лат. abstractio — удаление, отвлечение) или нефигуративное искусство — направление искусства, отказавшееся от приближённого к действительности изображения форм в живописи и скульптуре.
Произведения абстракционизма отрешены от форм самой жизни: беспредметные композиции воплощают субъективные впечатления и фантазии художника, поток его сознания, они порождают свободные ассоциации, движения мысли и эмоциональные сопереживания.

Нельзя назвать ни точного времени возникновения абстракционизма, ни его основоположника. Признанными вдохновителями абстракционизма считаются художники Василий Кандинский, Казимир Малевич, Пит Модриан, Франтишек Купка, Робер Делоне, изложившие основные положения этого направления в своих теоретических трудах и программных заявлениях.
Одна из целей абстракционизма — достижение «гармонизации», с помощью изображения определённых цветовых сочетаний и геометрических форм, вызывая у созерцателя чувство полноты и завершенности композиции.
Первая абстрактная картина была написана Василием Кандинским в 1910 году. В живописи России XX века главными представителями абстракционизма были Василий Кандинский (завершивший в Германии переход к своим абстрактным композициям), Наталья Гончарова и Михаил Ларионов, основавшие в 1910—1912 годах «лучизм», создатель супрематизма как нового типа творчества Казимир Малевич, автор «Чёрного квадрата» и Евгений Михнов-Войтенко, творчество которого отличает, в том числе, беспрецедентно широкий диапазон направлений абстрактного метода, примененных в его работах (ряд из них, в том числе «граффитистский стиль», художник использовал первым среди не только отечественных, но и зарубежных мастеров).

Родственным абстракционизму течением является кубизм, стремящийся изобразить реальные объекты множеством пересекающихся плоскостей, создающих образ неких прямолинейных фигур, которые воспроизводят живую натуру. Последней популярной разновидностью абстракционизма стал зародившийся в 1960-х годах поп-арт, после чего абстрактное искусство ушло в тень.

Выдающиеся деятели: Василий Кандинский, Казимир Малевич, Наталья Гончарова и Михаил Ларионов, Пит Мондриан.

 

Ташизм

Таши́зм (франц. tachisme, от tache — «пятно, грязь») — течение абстрактного искусства, получившее распространение в странах Западной Европы и США в 1950—1960-х гг. Другое название — абстрактный экспрессионизм (см. абстрактивизм, абстрактное искусство; экспрессионизм).
Представляет собой живопись пятнами, которые не воссоздают образов реальности, а выражают бессознательную активность художника. Мазки, линии и пятна в ташизме наносятся на холст быстрыми движениями руки без заранее обдуманного плана.
Ташизм является крайним выражением принципов абстрактного экспрессионизма (от лат. ex-pressio — «выражение», дословно: «выжимание, выдавливание»). «Новые экспрессионисты» провозгласили принцип спонтанного выражения (лат. spontaneus — «произвольный») субъективных ассоциаций, подсознания, «психической импровизации», что сближает данное течение с дадаизмом и сюрреализмом.
Своей «иконой» абстрактные экспрессионисты считают первую абстрактную акварель В. В. Кандинского, созданную в 1910 г.

Термин «ташизм» впервые использовал французский критик Ф. Фенеон в 1889 г. в Париже на выставке неоимпрессионистов. Он хотел подчеркнуть этим словом точечную технику мазка и «пятнистость» живописи дивизионистов.
Спустя полвека термин вспомнили теоретики американского абстрактивизма, дабы показать преемственность нового искусства от живописи французских постимпрессионистов.
Произведения французских «ташистов» действительно отличаются колористической культурой, изящной техникой и ностальгическими настроениями, отчего возникло еще два наименования: лирическая абстракция, или информальное искусство (лат. in — «не»), т. е. искусство, рождающее неформальные ассоциации. Абстрактные картины «информалистов» напоминают природные образования: ландшафты, облака, вихри, дикие скалы.

Известные ташисты: Х. Хартунг, М. Ротко, Дж. Поллак, У. де Кунинг, М. Тоби

 

Дадаизм

Дадаи́зм, или дада (от франц.dada – конек, детская деревянная лошадка) — авангардистское течение в литературе, изобразительном искусстве, театре и кино,зародившееся во время Первой мировой войны в Швейцарии и получившее развитие во многих странах Европы, а также в США. Существовало с 1916 по 1922 годы.

Дадаизм возник как протест творческой молодежи против мировой войны и культуры, приведшей к ней. Его концепция не содержала позитивных идеалов и была пронизана пессимизмом. Принципами дадаизма стали разрыв с традициями мировой культуры и отрицание всяческих ценностей; представление о мире как о хаосе безумия, которому противопоставляется безумие творческое; алогичность мышления, выведение искусства за грань серьезного, придание ему оттенков веселья и смеха.
Главной идеей дадаизма было последовательное разрушение какой бы то ни было эстетики. Дадаисты провозглашали: «Дадаисты не представляют собой ничего, ничего, ничего, несомненно, они не достигнут ничего, ничего, ничего».
Основными принципами дада были иррациональность, отрицание признанных канонов и стандартов в искусстве, цинизм, разочарованность и бессистемность.

В 1920-е годы французский дадаизм слился с сюрреализмом, а в Германии — с экспрессионизмом. Некоторые теоретики искусства считают, что из дадаизма берёт своё начало постмодернизм.

Мастера Дадаизма: Марсель Дюшан, Франсис Пикабиа, Жан Арп, Марк Эрнст, Курт Швиттерс, Хана Хёх, Рауль Хаусманн, Геогр Гросс, Джон Хартфильд

 

Неоэкспрессионизм

Неоэкспрессионизм (Neo-expressionism) — направление в современной живописи, которое возникло в конце 1970-х и доминировало на арт-рынке до середины 1980-х. Неоэкспрессионизм возник в Европе как реакция на концептуальное и минималистическое искусство 1970-х. Неоэкспрессионисты вернулись к образности, фигуративности, живой и эмоциональной манере, ярким насыщенным цветам. В современном неоэкспрессионизме как инструмент экспрессивизации применяется не только варьирование линий и форм, но и цвета, вплоть до включения в изображение абстракционистских фрагментов.

 

Концептуализм

Концептуальное искусство, концептуализм (от лат. conceptus — мысль, представление) — литературно-художественное направление постмодернизма, оформившееся в конце 60-х — начале 70-х годов ХХ века в Америке и Европе.
Концептуализм в живописи — одно из современных направлений. Концептуализм принципиально отличается от традиционной живописи точкой исхода.

В концептуализме концепция произведения важнее его физического выражения, цель искусства — в передаче идеи. Концептуальные объекты могут существовать в виде фраз, текстов, схем, графиков, чертежей, фотографий, аудио- и видео- материалов. Объектом искусства может стать любой предмет, явление, процесс, поскольку концептуальное искусство представляет собой чистый художественный жест.
Концептуальное искусство обращается не к эмоциональному восприятию, а к интеллектуальному осмыслению увиденного.

Один из основоположников течения, американский художник Джозеф Кошут, видел значение концептуализма в «коренном переосмыслении того, каким образом функционирует произведение искусства — или как функционирует сама культура … искусство — это сила идеи, а не материала». Классическим образцом концептуализма стала его композиция «Один и три стула» (1965), включающая стул, его фотографию и описание предмета из словаря.

Прежде всего концептуализм изменил представление о пространстве в живописи. Если традиционная живопись рассматривает пространство исходя от видимого пространство природы — пейзаж, интерьер — то в концептуализме пространство чисто умозрительное — такого пространства нигде не существует.
Изображения в такой картине вырваны из любого стиля, и на одном пространстве картины совмещены изображения совершенно разных стилей. Единственное, что держит композицию — это идея/концепция — ради чего это сделано. Концептуальная живопись — это мир идей/концепций.

 

Минимализм

Минимализм (Minimal Art — англ.: минимальное искусство)- художественное течение, возникшее в Нью-Йорке в 1960-х годах и исходящее из минимальной трансформации используемых в процессе творчества материалов, простоты и единообразия форм, монохромности, творческого самоограничения художника.

Для минимал-арта характерны очищенные от всякого символизма и метафоричности геометрические формы, повторяемость, монохромность, нейтральные поверхности, промышленные материалы и способ изготовления. Минимализм стремится передать упрощённую суть и форму предметов, отсекая вторичные образы и оболочки. Преобладает символика цвета, пятна и линий.

Отвергая классические приемы творчества и традиционные художественные материалы, минималисты используют промышленные и природные материалы простых геометрических форм и нейтральных цветов (черный, серый), малых объемов, применяют серийные, конвейерные методы индустриального производства. Артефакт в минималистской концепции творчества — определенный заранее результат процесса его производства.

Истоки минимализма — в конструктивизме, супрематизме, дадаизме (см.: дада), абстракционизме, формалистической американской живописи конца 50-х годов., поп-арте.

Среди наиболее известных минималистов — К. Андре, М. Бочнер, У. Де Ма-риа, Д. Флэвин. С. Ле Витт, Р. Мэнголд, Б. Марден, Р. Моррис, Р. Раймэн.

 

Поп-Арт

Поп-Арт (произошло от англ. popular art — популярное искусство или от pop — отрывистый звук, лёгкий хлопок) — буквально: искусство, производящее взрывной, шокирующий эффект — неоавангардистское направление в изобразительном искусстве.
Это направление в искусстве 1950-1960-х гг., для которого характерны использование и переработка символических и знаковых объектов рекламной продукции и массовой культуры.

Поп арт получил распространение со 2-й половины 1950-х гг. в США. Художники этого направления воспроизводят буквально типичные предметы современного быта (вещи домашнего обихода, упаковку товаров, фрагменты интерьеров, детали машин и т.п.), популярные печатные изображения известных личностей, вырезки из газет или включают эти предметы и изображения в композиции. Отличительная черта поп-арта — сочетание вызова с безразличием. Все одинаково ценно или бесценно, одинаково красиво или безобразно, одинаково достойно или недостойно.

Поп-арт, возникнув как реакция на засилье абстрактного искусства, провозгласил своей целью возвращение к реальности и «раскрытие эстетической ценности» образцов популярной культуры. Абстракционистскому отказу от действительности он противопоставил грубый мир материальных вещей, которому приписывается художественно-эстетический статус.

Каждая вещь в определенном контексте теряет свое первоначальное значение и становится произведением искусства (продолжение идей дадаизма). Поэтому и задача художника – придание обыденному предмету художественных качеств, эстетизация вещного мира.

Самые известные художники поп арта: Роберт Раушенберг, Энди Уорхол, Том Вессельман, Джэспер Джонс, Джеймс Розенквист, Рой Лихтенстайн, Клас Ольденбург, Ричард Хэмилтон, Питер Блейк, Мэл Рамос.

 

Пост-минимализм

Постминимали́зм — искусствоведческий термин, вошедший в оборот в начале 1970-х годов для описания особой тенденции в различных сферах искусства, которая отталкивалась от предшествующего ей минимализма — как в стремлении его развить (через сохранение приверженности формальной простоте), так и наоборот преодолеть (стремясь к более широкому смысловому наполнению).
Этот термин чаще всего употребляется для описания соответствующих направлений в музыке и изобразительном искусстве, хотя также может быть использован в отношении любой другой сферы деятельности, широко использующей минималистические техники.

 

Конструктивизм

Конструктивизм (от лат. Construction – построение) – художественное направление в изобразительном искусстве, архитектуре, фотографии и декоративно-прикладном искусстве, зародившееся в 1920 — первой половине 1930 годов в СССР в рамках поздней «конструктивной» стадии стиля модерн.

Характеризуется строгостью, геометризмом, лаконичностью форм и монолитностью внешнего облика.
Применительно к зарубежному искусству термин «конструктивизм» в значительной мере условен: в архитектуре он обозначает течение внутри функционализма, стремившееся подчеркнуть экспрессию современных конструкций, в живописи и скульптуре — одно из направлений авангардизма, использовавшее некоторые формальные поиски раннего конструктивизма.

Начало массовому движению было положено в 1921 г. С созданием рабочей группы конструктивистов, развернувшей активную деятельность в различных сферах художественного творчества. В первые годы советской власти формирование конструктивизма происходило в тесном взаимодействии архитекторов и дизайнеров с авангардистскими течениями изобразительного искусства (супрематизм, футуризм).

Мастера конструктивизма: Владимир Татлин, Александр Родченко, Эль Лисицкий, Константин Медунецкий, Валентина Степанова, Владимир Стенберг, Георгий Стенберг, Любовь Попова.

 

 

ДОПОЛНИТЕЛЬНАЯ ИНФОРМАЦИЯ


Бесценный гид по 350 стилям и течениям искусства

Энциклопедия визуальных искусств. Основные направления и течения искусства 

www.wikiart.org/ru  

Артхив. Энциклопедия стилей 

artchive.ru 

 

 

Еще в этой категории: « 150+ шедевров мировой живописи

selnew22

Инфохаб "Selection"
Ваш дружелюбный и опытный гид в мире информации 

 

           

Контакты

по вопросам сотрудничества и рекламы

in@infoselection.ru

по другим вопросам

of@infoselection.ru